American Graffiti y el cine de autor

American Graffiti es una película perteneciente al cine de autor surgido en la época del modernismo estadounidense. Surgió una crisis en el cine de Hollywood a causa de nuevas actividades de ocio, la creación de la televisión e historias que ya no satisfacían al espectador por su parecido argumental. Por dichas causas surge un grupo de directores que iban a transformar el cine norteamericano en las décadas de los sesenta y setenta. Su objetivo se basaba en realizar películas autobiográficas, con una mirada personal o autoral para acabar con esa fabricación de películas en serie porque el público joven ya no se identificaba con largometrajes clásicos pero sí con películas como American Graffiti.

Pese a que el nombre de George Lucas se asocia al cine comercial que surgió con la época del Blockbuster en la década de los ochenta, es oportuno mencionar que en los inicios de este director sus películas eran catalogadas como independientes cuyos argumentos eran considerados fuera del prototipo de films tradicionales.

Se podría destacar que American Graffiti no es un ejemplo claro del cine de autor, puesto que estas películas vienen marcadas por sucesos ocurridos en la década de los setenta como la guerra del Vietnam o el fin del movimiento hippie, y el cine de esta época se había vuelto más dramático con largometrajes como El Padrino o Taxi Driver.

Pero fue el mismo Lucas el que rompe esta etapa cuando en 1977 estrena La guerra de las galaxias, y surgen así dos vías: la era del Blockbuster y la ayuda a prosperar en el cine de autor con respecto al género de la ciencia-ficción en la década de los ochenta.

American Graffiti es una película dirigida por George estrenada en 1973. Tras su reciente éxito con El Padrino (1972), el director Francis Ford Coppola, del cual Lucas era su protegido y antiguo ayudante, se unió a la producción. Francis fue uno de los nuevos productores que apostaban por directores desconocidos, característicos de esta nueva era del cine hollywoodiense. Pero esta no fue la única aportación de Coppola a la película, puesto que coescribió el guión con toques autobiográficos junto con el director; la mujer de este (Gloria Katz) y un amigo (Willard Huyck). Asimismo cabe destacar la participación de uno de los mentores de George Lucas, el director de fotografía Haskell Wexler, que había participado en ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966) y luego colaboraría en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y El regreso (1978)

American Graffiti fue rodada en solo veintiocho noches con un bajo presupuesto, muy por debajo del millón de dólares, el cual el director consiguió con la ayuda de Universal Pictures después de que muchas otras productoras rechazaran el proyecto. La buena noticia fue que consiguió un asombroso beneficio inesperado al convertirse en un éxito de taquilla. Resultó ser una de las películas más rentables de su época. Gracias a estas circunstancias recibió buenas críticas y cinco nominaciones a los Oscars, pese a que no consiguió ninguno. Este triunfo ayudó a Lucas a alcanzar un éxito mayor con su posterior obra La guerra de las galaxias. 

American Graffiti cuenta el traspaso de un grupo de graduados de instituto al mundo adulto. Narra el transcurso de una memorable noche de verano de 1962 que fue inspirada en las películas de adolescentes de la década de los cincuenta. Fijó un estilo cómico no realizado hasta la fecha con escenas que reflejaban a la juventud norteamericana de principios de los sesenta paseándose en coches clásicos acompañadas de una excelente banda sonora de rock-n-roll y rockabilly. Dicha banda sonora está repleta de los grandes éxitos de los cincuenta de artistas como Bill Haley & His Comets, ChuckBerry, The Heartbeats o Buddy Holly entre otros. 

En medio de canciones, el famoso DJ "Wolfman" Jack (que realiza un cameo en la película) ofrece canciones vinculadas a gran cantidad de escenas, lo que significa que rara es la ocasión en la que no se escucha la emisión de radio de imitación de fondo. Como ejemplo a la importancia de Wolfman Jack en la radio perteneciente a la década de los cincuenta y sesenta destacamos la aparición de una llamada realizada al show. Cuando el radiofonista le pregunta lo que tiene para su entretenimiento, la persona que llama responde: "todo lo que tenemos eres tú". Esta grabación fue recogida de una llamada real a la estación del Hombre Lobo. Esta anécdota resume cómo la música era fundamental para el período y la película. 
  

DJ "Wolfman" Jack

Pero no es lo único a destacar de este largometraje, puesto que también fue inspirada en series de televisión como Happy Days y Laverne and Shirley, en las que intervinieron algunos de los actores de estas series, y que reproducían fantasiosamente la juventud más despreocupada de la era anterior a Vietnam.

Escenas anecdóticas desde el atardecer hasta la mañana del día siguiente. Historias múltiples concentradas en cuatro prototipos de personajes: el rebelde, el nerd, el ciudadano ejemplar y el rey de la carretera. La interpretación de estos papeles viene destacada por Richard Dreyfuss y Ron Howard, los jóvenes deseosos de ir a la universidad, Paul LeMat protagonizando al chico malo y, en papeles menores, un no tan joven pero prometedor Harrison Ford como el aficionado a las carreras de velocidad. La colaboración de estos jóvenes talentos ayudó a sumar más comedia y energía a la película.

American Graffiti se rodó en la ciudad natal del director, Modesto, y en San Rafael (California), donde era característico este ritual juvenil de recorrerse la calle principal en sus autocares participando en batallas de espuma, en el flirteo insistente y en el intento de conseguir botellas alcohólicas en pequeños establecimientos escondidas en bolsas de papel marrón. Pero sería en aquel lugar en donde George Lucas levantaría el centro de su imperio cinematográfico, el complejo del rancho de Skywalker.

La película podría ser catalogada en el género de comedia dramática por las tramas que esta presenta. Las tramas son sencillas y sin sorpresas. Se van sucediendo paralelamente y entrelazándose a lo largo del film, algo inédito en esa época y característico del cine de autor, puesto que anteriormente cada trama se narraba por separado, una a continuación de la otra y no comenzaba la siguiente si no acababa la anterior.

Las tramas tocan temas como la nostalgia, siempre presente, ya que se dan cuenta de que sus días de irresponsabilidad finalizan y deben despedirse de sus amigos y de su ciudad natal para embarcarse en un nuevo futuro. Relacionado es el tema de la maduración, esta se percibe en el arco de transformación de los personajes al darse cuenta de que su adolescencia finaliza para convertirse en personas adultas y responsables al tomar la decisión de ir a la universidad o buscar un puesto laboral. Otros temas que aparecen a lo largo del largometraje son las carreras clandestinas, peleas de bandas, amores imposibles y amores que se convertirán en imposibles por la distancia.

Todos estos son nuevos temas pertenecientes a este movimiento innovador, puesto que el cine de la década del setenta y ochenta se puso a mirar muy fijamente el tema del fin de la adolescencia. Tal vez fuera porque los jóvenes en esos tiempos ya eran adultos, que si el estado se los pedía, debían ir a combatir a la guerra de Vietnam, como en el caso del personaje Ferry Fields, al cual posteriormente se le dio por desaparecido en combate cerca de An Loc en 1965.

En mención de los recursos técnicos se destaca la falta medios, giros extraños en el guión o escenas rodadas de forma poco coherente. Los planos son casi siempre cortos o medio cortos, salvo excepciones como los planos panorámicos del Mels drive-in, la cafetería a la cual los protagonistas iban a tomar unas bebidas o simplemente estacionaban sus coches en el aparcamiento y la camarera les acercaba sus pedidos al auto. Existen también planos generales para mostrar al espectador los coches, parados en semáforos o en las carreras realizadas, o ciertos lugares y hazañas que requerían de este plano para ser contadas.

La iluminación es escasa, pero puede ser comprensible puesto que la película fue grabada en horas nocturnas ya que la narración cuenta la última noche de los protagonistas. Pero esta afirmación es una excusa ya que seguramente la iluminación hubiese sido tan insuficiente por la falta de presupuesto. Aún así la fotografía nos muestra un ambiente colorista y festivo, con el vestuario de las muchachas y coches blancos o amarillos; ya que los coches y las chicas, junto a la música, son la base material de este film.

La adaptación del vestuario y los emplazamientos es bastante bueno e identificativo, aunque no debería ser un elogio puesto que la película fue rodada diez años después de la edad en la que transcurre la trama, por lo que no les debió ser muy difícil de conseguir.

American Graffiti es un logro casi único en el cine, una película que resume perfectamente el período de tiempo que representa, ya que los otros largometrajes que cuentan tramas de dicha época tienden a proyectar imágenes de casas señoriales o vestidos pomposos (como en el caso de Grease). Mientras que George Lucas hace una rememoración a la vida de las pequeñas ciudades y la juventud que en ellas habita, con una perfecta plasmación de la evolución de estos adolescentes en la época de los sesenta. A lo que considero que no hay mejor forma de comprenderlo que leyendo una frase de la película:

"No es lógico dejar el hogar para buscar un nuevo hogar. Dejar una vida para buscar una nueva vida. Decir adiós a los amigos que quieres para buscar nuevos amigos" palabras de Curt Henderson (Richard Dreyfuss) a través de su hermana Laurie (Candy Clark).